Sobre la Obra

Este proyecto se ubica en un punto de cruce entre el lenguaje de la danza y la tecnología[cite: 4]. Cuenta con la antecedencia de tres experiencias escénicas anteriores: aRRaSStra un cuerpo sonoro (2010), IEES Intersubjetividad en escena simultánea (2012) y Careborg Buenos Aires - Berlín (2017)[cite: 4]. En todos los casos se utilizaron sistemas conectados de cámaras y computadoras con público presente en ambas salas de manera simultánea y articulada[cite: 4].

La obra plantea como ejes las relaciones múltiples entre el mundo real y el mundo virtual, la vinculación humana tanto en el plano simbólico de los afectos como en la materialidad del cuerpo[cite: 4]. Un cuerpo material, orgánico, atravesado por pulsiones, líquidos, tejidos, impulsos y latidos en contraste con imágenes corporales vivas y virtuales, despojadas de urgencias[cite: 4].

Se trabaja desde las técnicas somáticas buscando la máxima presencia del cuerpo real de los intérpretes en contraste con la inmaterialidad de los cuerpos virtuales proyectados en pantalla desde Nueva York[cite: 4]. La RESPIRACIÓN funciona como motor del movimiento y como textura dramática[cite: 4]. Mediante el software ISADORA, se realiza edición en tiempo real e interactividad para procesar y devolver las imágenes captadas[cite: 4].

Sobre la Obra

Dos cuerpos se funden en un abrazo, nace un texto que no se dice pero se entiende, se teje en lo invisible y los mueve[cite: 5]. Una relación entre la soledad del Uno y el Dos como unidad, tensiones y potencias que dialogan y se retroalimentan[cite: 5].

Le Octre hace una deconstrucción del tango a partir de técnicas contemporáneas abriendo la pregunta sobre lo ajeno, lo que se escapa al código de la palabra y de la forma, una transversalidad que liga los cuerpos a pesar de las diferencias culturales y los idiomas[cite: 5].

Un abordaje que funde música de tango de varios países con sonoridades contemporáneas[cite: 5]. Una relectura actual de las pasiones que se mueven desde el 2×4 en Argentina y el mundo[cite: 5].

Sobre la Obra

A través de un sistema de cámaras y Skype, artistas de Buenos Aires y Berlín compartieron un proceso de investigación, creación y montaje de una pieza performática con mediación tecnológica[cite: 6]. Dos performances independientes ligadas en vivo crean un espacio virtual que interactúa con las escenas[cite: 6].

Basada en técnicas somáticas, la propuesta explora el tejido conectivo humano como analogía de la red informática planetaria[cite: 6]. La obra propone un tránsito desde la interfaz tecnológica (Cyborg) hacia el encuentro con la corporalidad orgánica y el contacto entre pares a través de la distancia[cite: 6].

Sobre la Obra

Siempre el mismo cuerpo vivo debajo de vestuarios que lo enmascaran y le dan formas culturales aleatorias[cite: 6]. El cuerpo también como aquello que puede ser manipulado y movilizado por otros cuerpos, haciendo un paralelismo directo con el músico y su instrumento[cite: 6].

El poder sobrevolando los juegos de tensión con objetos, fusionando la contemporaneidad con reminiscencias de los años 50 y una potente banda sonora original interpretada en vivo en su estreno[cite: 6].

Sobre la Obra

I.E.E.S constituyó la primera experiencia en danza de estas características realizada en Argentina[cite: 7]. Es una investigación, una obra multiespacial en red y una experiencia humana mediatizada por la tecnología que conectó dos espacios escénicos (Buenos Aires y Barcelona) a través de cámaras web en tiempo real[cite: 7].

El proceso de investigación y montaje se generó exclusivamente mediante conexión virtual[cite: 7]. Las tensiones y vínculos humanos se transformaron en la trama temática del cuerpo real-virtual, desafiando los conceptos de espacio-tiempo y explorando la presencia-ausencia del cuerpo soportado en la imagen[cite: 7]. Tanto artistas como público interactuaron más allá de los límites geográficos de las salas teatrales[cite: 7].

Sobre la Obra

La obra es el resultado de una investigación teórico-práctica centrada en indagar el proceso creativo y el acontecimiento escénico como una resultante dinámica del entrecruce de subjetividades (artistas entre sí, y público con intérpretes) en un punto espaciotemporal determinado y situacional[cite: 8].

A partir de patrones previos, las intérpretes improvisan escenas que rozan el humor, el absurdo y el drama, incorporando los estímulos del público para generar un clima fresco, vivo y cambiante en cada función[cite: 8].

Sobre la Obra

aRRaSStra es una indagación sobre la relación cuerpo-espacio, lo real y el ciberespacio[cite: 9]. Estructurada en dos escenas simultáneas en espacios separados por kilómetros y conectados vía cámara web, la obra tensiona los bordes entre movimiento, sonido y presencia[cite: 9].

Presentada en el marco del Festival Cocoa, la pieza explora cómo la voz se corporiza en pantalla y el movimiento se convierte en sonido creador[cite: 9].

Sobre la Obra

Causual aborda la hipercomunicación, la contaminación visual y las reacciones en cadena ligadas a la tecnología[cite: 10]. Un chat en vivo proyectado en escena permite a espectadores opinar mientras los intérpretes reaccionan en tiempo real a los comentarios, alternando el exceso informativo con momentos de expansión emocional y conexión[cite: 10].

A través de «casualidades reales», la obra rompe los límites tradicionales del escenario: artistas situados en la platea interactúan con la escena, expandiendo el espacio y conectando la vivencia previa de la antesala con el acontecimiento presente[cite: 10].

Sobre la Experiencia

Flotarás es un evento y espectáculo interactivo desarrollado en los galpones de El Dorrego[cite: 10]. El público ingresaba atravesando un juego de acertijos y laberintos para ser parte activa de una propuesta donde la comunicación, la integración y la conciencia holística ocupaban un rol central[cite: 10].

Mediante un sistema de poleas, los intérpretes desplegaban una «danza de flotación» dentro de dos grandes pirámides que albergaban figuras humanas elevadas[cite: 10]. Las acciones de los asistentes se entrelazaban con cintas para dar lugar a una danza grupal espontánea, acompañada por sonidos, aromas y proyecciones de las obras Arcanos de Seda (de Silke) sobre un globo terráqueo suspendido[cite: 10].

Sobre la Obra

Bailarina Finalmente cae del escenario es un estudio enfocado en el equilibrio y el desequilibrio, indagando los puntos de apoyo no convencionales y los fugaces instantes de tránsito entre un eje y otro[cite: 11]. La pieza toma la caída libre como fuerza motora del movimiento y explora la alternancia entre el control y el descontrol muscular[cite: 11].

Basada en principios de release y flying-low, la propuesta contrapone esta técnica con una línea argumental irónica y humorística: las vicisitudes extremas de una persona común en busca de una meta ideal[cite: 11].

Sobre la Obra

Creced y SoanolC aborda la temática de la clonación desde una aproximación reflexiva en torno a la identidad[cite: 12]. Inspirada en textos de El Doble de José Saramago y la noción del espejo (el "Otro especular" lacaniano), la propuesta explora cómo el cuerpo se vuelve objeto y carne blanda manipulable ante la ciencia erigida como creadora[cite: 12].

Con proyecciones visuales de las obras del artista plástico Miguel Müller sobre paneles traslúcidos y los propios cuerpos, la pieza entreteje pasajes dramáticos con momentos de ironía y humor[cite: 12]. Su lenguaje oscila entre el minimalismo y secuencias coreográficas expansivas, acompañado por música contemporánea original y la ejecución de una flauta traversa en vivo dentro de la escena[cite: 12].